XXH – Exposition anniversaire

Provenance : Galerie Christian Berst, Paris, 2024

Provenance: Galerie Christian Berst, Paris, 2024

Provenance : Grisebach. Acquisition en 2009.

Provenance : Goodman Gallery. Acquisition en 2009.

Les chinese offspring figurent parmi ses œuvres les plus célèbres. Ces sculptures de résine, au nombre de 100, sont des portraits à taille humaine d’immigrants chinois travaillant dans le bâtiment, souvent accrochées à l’envers par les pieds, afin d’insister sur leur vulnérabilité et leur impuissance à contrer le destin. Zhang Dali rend hommage à ces héros invisibles de l’expansion chinoise urbaine « postcommuniste ». Comme dans toute société de contrôle, ces sculptures sont indexées : tatouées d’un chiffre, du titre du projet et de la signature de l’artiste.

Provenance : Chinese Contemporary. Acquisition en 2006.

La Deposizione est une version moderne de la déposition du Christ montrant un homme nu reposant sur les “bras” d’un chariot élévateur. Cette oeuvre fait référence au scandale de l’amiante et au procès de l’ex-propriétaire du groupe suisse Eternit et d’un ancien actionnaire belge de cette même société, qui s’est tenu à Turin en 2009. Le “maxi procès Eternit“, comme il est appelé en Italie. Le plus grand procès jamais organisé sur le drame de l’amiante et le premier procès au pénal. Selon les associations de victimes, il rassemble plus de 6 000 parties civiles. Le Tribunal de Turin a demandé des peines très lourdes contre les ex-dirigeants du groupe avec la forte volonté de constituer un précèdent pour les procès de “crimes environnementaux“. L’amiante est responsable principalement de l’asbestose et du cancer du poumon, pathologies mortelles qui se déclarent entre 15 à 20 ans et 30 à 40 ans après la première exposition. Cette oeuvre représente le sacrifice physique et mental des ouvriers employés d’Eternit.

Provenance: B&D studio contemporanea (Milan). Acquisition en 2008.

Dormeuse est un récamier moderne, constitué de plaques d’acier façonnées que l’on a l’habitude de trouver dans les rues, à travers notamment les plaques d’égouts. Il symbolise dans sa forme la féminité, le repos et le luxe mais sa composition, faite d’acier, contraste vigoureusement avec ces éléments. Ce matériaux, attribut industriel et confronté aux matières les plus primaires et les plus triviales de la rue, renverse les codes habituels.

Provenance: Christie’s Londres. Acquisition en 2013.

Provenance : Galerie Forêt Verte (Paris). Acquisition en 2006.

Provenance : Cornette de Saint Cyr. Acquisition en 2015.

Habitat est une réplique en bronze peint d’un sac de couchage qui fait référence au Painted Bronze (1960) de Jasper Johns, sculpture célèbre du Pop Art constituée de deux canettes de bière en bronze.

Provenance : Sotheby’s Londres. Acquisition en 2010.

© Sebastiano Pellion di Persano

Provenance : 2023, Dvir Gallery, Paris

© Sebastiano Pellion di Persano

Provenance : 2023, Dvir Gallery, Paris

© Sebastiano Pellion di Persano

Provenance : 2023, Dvir Gallery, Paris

© Sebastiano Pellion di Persano

Provenance : 2023, Dvir Gallery, Paris

Une œuvre à la fois touchante et tragique où ce qui pourrait être l’acte ultime de destruction devient le seul moyen de résister. Cette vision d’horreur est aussi une vision de survie, un lieu de résistance, de complot. Dans cet ultime recoin de l’univers, la frontière s’efface entre humanité et animalité.

Triptyque

New York Nine-Eleven 2 est une photographie dont les noirs sont extrêmement profonds et exigeants, apportant une tension dramatique sans équivoque. Ce travail appartient à une série initiée après les attentats du 11 septembre 2001 à New York, un moment vécu tragiquement par l’artiste alors qu’il s’y trouvait. On y aperçoit un homme coiffé d’un chapeau de cow-boy et d’un drapeau américain lui bandant les yeux. La douleur est palpable, intensifiée par ces contrastes entre le blanc et le noir.

Provenance: Galerie Alain le Gaillard (Paris). Acquisition en 2006.

Bryn Campbell montre un enfant jouant seul dans une zone d’habitation aux airs abandonnés. Ce vide social est un point de départ pour forger un chemin mais également dériver vers les excès. Dans sa représentation d’ensemble ce paysage est typique de ces zones ouvrières du nord de l’Angleterre où la pauvreté et l’isolement cohabitent.

Fatemeh Baigmoradi a commencé la série It’s Hard to Kill en 2017, motivée par le fait qu’il existe peu de photographies représentant ses parents avant la révolution islamique de 1979 en Iran. À l’aide d’archives familiales d’amis et de voisins, elle reconstitue l’acte de son père, membre du parti Front national d’Iran, qui brûla de nombreuses images représentant sa famille, ses amis et ses collègues, pour éviter des représailles du fait de son lien à ce parti. Cette même expérience est fréquemment partagée par différentes personnes de différentes nations, pendant et après les révolutions sociales. 

Sur ces images, les visages et les corps de certains individus s’entourent de lueurs ou disparaissent dans un halo. Ces effets visuels produits par la brûlure soulignent paradoxalement la présence de ces individus et leurs histoires perdues. It’s Hard to Kill montre qu’il est “difficile de tuer” l’Histoire. Émerge alors un récit plus universel sur la perte et la représentation.

« The History of the world is the world’s court of justice », 2012

« I destroy my enemies when I make them my friends », 2012

« Everything has been figured out, except how to live », 2012

« Heaven wheels above you, displaying to you her eternal glories, and still your eyes are on the ground », 2012

Ces dessins, aux titres plutôt évocateurs, sont tous liés à la représentation d’enfants ou de la jeunesse. Datant de 2012, ils coïncident avec le moment où l’artiste est devenu père. Ils évoquent l’impuissance des enfants face aux guerres et la responsabilité des adultes envers les mineurs. Ces dessins sont marqués par une croix rouge, symbole de protection, mentionnant la « technologie de dépolitisation du corps 2012-2045», qui fait référence à ce que Michel Foucault appelle la technologie de politisation du corps dans notre société. Ce dernier évoque les pratiques de contrôle des corps, leur utilisation dans l’économie d’une nation et comme symbole de punition, dont les crimes de l’holocauste en sont une des formes les plus extrêmes. Ces dessins de Markiewicz s’inscrivent dans un manifeste ayant pour vocation de libérer le corps humain de toute nation, de toute instrumentalisation, de tout système économique et de toute instance politique. C’est un manifeste qui devra symboliquement prendre fin en 2045, pour le 100^ème anniversaire de la fin de la Seconde Guerre mondiale.

Provenance de la série: Galerie Aeroplastics (Bruxelles).Acquisition en 2015.

Avec The Human Factor, Gloria Friedmann illustre la fragilité de l’être humain et son caractère unique. Le facteur humain évoque le rapport qu’entretient l’espèce humaine avec son écosystème, les éléments qui la différencient des animaux, tels que les émotions ressenties par la vue d’une œuvre d’art. Mais ce concept est aussi synonyme d’erreur humaine, traduisant sa fragilité par son aspect imprévisible, incontrôlable. L’artiste crée un contraste entre la vision de cet homme, debout, le sourire aux lèvres, et la réalité de son existence, incertaine, prête à se briser, aussi fragile que son environnement, aussi fragile que le matériau qui le compose, la terre.

Cette œuvre nous apparaît à première vue comme une toile lacérée, notre regard étant happé par le trou béant qu’elle présente en son centre. Mais à mieux y regarder, la finesse des dentelures dément ce procédé. Suivant leurs contours et voyant ainsi s’esquisser les continents européen et africain nous sommes confortés dans l’assimilation de celles-ci à des côtes. Jonathan Monk nous donne à voir un monde évidé dont les terres sont révélées par le négatif, mers et océans s’étant mués en étendues noires. L’impression d’implosion du monde est renforcée par sa disposition sur un fil, à la manière d’un linge. Cette installation ménage des replis, entravant ainsi la lisibilité de ce qui semblait être à l’origine un planisphère, en ôtant les frontières. Si l’artiste force le sentiment d’entropie en créant un déséquilibre des deux pans, il s’efface quelque peu, laissant la pesanteur de la matière s’exprimer, s’inspirant en cela dans son choix même : le feutre comme dans son traitement, des œuvres molles des artistes comme Robert Morris. Le relâchement du tissu donne alors naissance à un monde reconfiguré, somme de tous les continents, semblable à une carte en anamorphose.
The World Without The World in Blue rend bien compte de cette reconfiguration du monde, de ce retranchement des continents mais figure aussi, par ce déséquilibre des propositions, l’impression d’une soustraction plus importante créée par les replis.

Tiroir est une oeuvre directement issue de ses recherches sur la Shoah. Elle témoigne du passage de l’être par sa forme (l’autel) tandis que la photographie renforce davantage l’idée de disparition et d’absence.

Tomoko Uemura in her bath reste l’une des premières photographies à avoir dénoncé les problèmes environnementaux au Japon, dévoilant les conséquences de la pollution au mercure dans la baie de Minamata sur la population. Chaleur et sécurité, maladie et souffrance construisent l’oeuvre dans une opposition bouleversante. La présence de la mère bienveillante, telle Marie soutenant le Christ mort, emplit l’oeuvre d’humilité, lui confère sacré et universalité.

Provenance : B&D Studio Contemporanea. Acquisition en 2007.

Provenance : Phillips Londres. Acquisition en 2012.

Provenance : Phillips New York. Acquisition en 2013.