XXH – Temps 1

Avec The Human Factor, Gloria Friedmann illustre la fragilité de l’être humain et son caractère unique. Le facteur humain évoque le rapport qu’entretient l’espèce humaine avec son écosystème, les éléments qui la différencient des animaux, tels que les émotions ressenties par la vue d’une œuvre d’art. Mais ce concept est aussi synonyme d’erreur humaine, traduisant sa fragilité par son aspect imprévisible, incontrôlable. L’artiste crée un contraste entre la vision de cet homme, debout, le sourire aux lèvres, et la réalité de son existence, incertaine, prête à se briser, aussi fragile que son environnement, aussi fragile que le matériau qui le compose, la terre.

Entre 1969 et 1973, Richard Avedon réalise des portraits de son père, Jacob Israel Avedon. Les photographies saisissantes de cet homme rongé par un cancer, dans les dernières années de sa vie, résonnent comme un memento mori. Sur le visage de son père, l’émotion saisie devient l’émotion de tout un peuple face à la fragilité de l’être.

Provenance : Christie’s Paris. Acquisition en 2010.

Provenance : Christie’s New York. Acquisition en 2008.

Provenance : Sotheby’s New York. Acquisition en 2011.

The Other Christ, intitulé également The interpretation of dreams, invite à chercher la lumière et l’espoir dans la noirceur, la force dans la différence en remettant en question la transmission des principes religieux. L’artiste pose la question de l’identité du Christ, dans une approche très narcissique où l’œuvre devient quasiment un autoportrait.

(détail de l’oeuvre)

Jean Rustin joue avec ses personnages, les associant à des titres emprunts d’humour. Encore une sale journée illustre l’envie refoulée. Une envie synonyme de vie, tant que notre cœur bat elle est présente, sous-jacente, même si la communication est parfois absente. Le couple nous regarde fixement, se questionne et malgré l’absence de mots nous interroge directement.

Provenance : De Vuyst. Acquisition en 2012.

Avec Eat, shit and die, Dash Snow associe argent, drogue, politique, terrorisme et convoque sur une même scène les plus grands interdits. L’artiste réunit les abus et les dérives de la religion, du pouvoir, de la société, de la perdition, questionnant tous les extrêmes qui composent l’humanité. Il nous invite dans un cycle infernal qu’il devient impossible de rompre.

En créant des assiettes creuses sans nourriture mais décorées de femmes anorexiques, Michaela Spiegel sait nous émouvoir sur ces images devenues références. Le poids de la Société est bien présent dans ses corps décharnés, ses cotes creusées, ses formes allégées. On nous fait croire que c’est de l’esthétique ; c’est juste un totalitarisme formel comme à chaque fois que l’on érige le beau comme seule quête. Avec le titre anno rex ie, qui signifie l’année du roi, l’artiste évoque également le poids de la société machiste dans la construction de la femme.

Provenance : School Gallery Paris. Acquisition en 2008.

« Après le bruit et la provocation, j’aspire au silence, à ramasser l’émotion dans une image étroite. C’est ce que je tente de faire par exemple, dans ma série « The keyhole » (trou de serrure), avec ces personnages qui nous offrent seulement leur nuque. Si je ne parle pas forcément de ma solitude, j’essaie de capter celle des autres. »

Provenance : Galerie Rabouan Moussion. Acquisition en 2012.

Diane Arbus immortalise le jeune Colin Wood dans un moment d’impatience, une exaspération contenue dans sa main crispée telle une griffe, dans sa bouche tordue, son visage grimaçant. Derrière l’image innocente de ce garçon tenant son jouet, la photographe capture la tension d’une nation et plus généralement la crise socio-politique américaine des années 60.

Provenance : Sotheby’s New York. Acquisition en 2012.

Malgré ses thèmes douloureux, Sofie Muller nous offre à voir une belle sculpture, maîtrisée, pure, linéaire, et sensuelle, en opposition à leur signification. Une sculpture subversive en somme dans laquelle esthétique et éthique ne sont pas forcément unies. De ses œuvres, l’artiste dévoile une émotion particulière qui nous submerge lorsque nous sommes face à elles. La sculpture combine à la fois la mélancolie, le doute, et une violence humaine exprimée par ce désir de changement d’état alors qu’ils se trouvent dans un espace limité et distancié mettant mal à l’aise le spectateur intrusif. L’artiste élabore un savant mélange entre une étude fine du corps humain et une étude socio-psychologique de notre société actuelle.

Provenance : Geukens & De Vil. Acquisition en 2007.

(détail de l’oeuvre)

Ce portrait est issu du deuxième ouvrage de Larry Clark, Teenage Lust, un recueil de photographies presque autobiographiques, prises entre 1960 et 1980. Larry Clark fige des instants de la jeunesse, sans jugement, sans dénonciation, ne photographiant que des instants de vie pour qu’ils puissent être partagés et ressentis. Son œuvre continue de créer la polémique: en 2010, une rétrospective consacrée à l’artiste au Musée d’Art Moderne de la ville de Paris fut interdite aux moins de 18 ans. « A mon époque, on ne parlait de rien, les drogues n’étaient pas censées exister, il n’y avait pas de sexe, pas d’inceste, pas de pédophilie… J’ai voulu montrer les choses que personne ne montrait. »

Cette vidéo est la dernière d’une série de trois, elle relate le récit d’un homme enveloppé par la culpabilité, luttant pour faire face à son passé. Meiro Koizumi a travaillé de concert avec un véritable pilote Kamikaze, Mr Tadamasa Itazu. En 1945, celui-ci est volontaire pour devenir Kamikaze et défendre Okinawa. Il forge durant sa formation une amitié sans faille avec Mr Ashida. Au cours d’une mission, sur son trajet pour attaquer un navire américain, son avion rencontre un problème moteur et s’écrase sur l’île. Il survit à cette mission qui devait l’envoyer vers une mort certaine. Pour les pilotes Kamikaze survivre à une mission est un échec, mourir est un honneur ultime. Depuis ce jour, il vit avec un grand sentiment de culpabilité envers ses pairs morts avec succès dans la même mission, et en particulier Mr Ashida.

La Deposizione est une version moderne de la déposition du Christ montrant un homme nu reposant sur les “bras” d’un chariot élévateur. Cette oeuvre fait référence au scandale de l’amiante et au procès de l’ex-propriétaire du groupe suisse Eternit et d’un ancien actionnaire belge de cette même société, qui s’est tenu à Turin en 2009. Le “maxi procès Eternit“, comme il est appelé en Italie. Le plus grand procès jamais organisé sur le drame de l’amiante et le premier procès au pénal. Selon les associations de victimes, il rassemble plus de 6 000 parties civiles. Le Tribunal de Turin a demandé des peines très lourdes contre les ex-dirigeants du groupe avec la forte volonté de constituer un précèdent pour les procès de “crimes environnementaux“. L’amiante est responsable principalement de l’asbestose et du cancer du poumon, pathologies mortelles qui se déclarent entre 15 à 20 ans et 30 à 40 ans après la première exposition. Cette oeuvre représente le sacrifice physique et mental des ouvriers employés d’Eternit.

Provenance: B&D studio contemporanea (Milan). Acquisition en 2008.

Provenance : Galerie Micheline Szwajcer. Acquisition en 2011.

(détail de l’oeuvre)

(détail de l’œuvre)

(détail de l’œuvre)

(détail de l’œuvre)

Provenance : Galerie Loeve&Co. Acquisition en 2023.