Tous ces regards me détournent de moi

“C’est parfois en touchant les plumes d’un oiseau ou la fourrure d’un animal que me vient la meilleure manière de peindre la peau des humains.” (Alin Bozbiciu)

Dans un espace incertain, abstrait, Alin Bozbiciu peint des corps agités et fuyants, des figures troubles dont les contours ne cessent de se dissiper. Les tons froids et la véhémence du geste de l’artiste diluent et fusionnent les nus et drapés. Statiques et en mouvement, les corps virevoltent, ils s’enroulent et se déploient dans un tourbillon ininterrompu, un “présent continu”, où se conjuguent douceur et tumulte.

Provenance : Galerie Suzanne Tarasieve, Paris, 2022

Les œuvres de Nazanin Pouyandeh résultent d’un brassage d’images provenant de territoires et d’époques différentes. Elles juxtaposent les références et influences. Dans Les Lutteurs, le corps lascif des deux modèles s’inscrit au sein d’un intérieur où cohabitent masques africains et reproductions de tableaux du XIXe représentant des lutteurs peints par Courbet, Alexandre Falguière, ou encore Delacroix, entre autres.

Au sein d’un polyptyque peint, la figure de Jasper John embué par l’ennui lors d’un vernissage est répété et décliné sur quatre toiles. Vaporeux sur les supports extérieurs, son image et sa silhouette se diluent progressivement dans la matière picturale des tableaux centraux. L’ensemble a été réalisé à partir d’une photographie réinvestie par la peinture. Au moyen d’une mise au carreau, l’artiste Youcef Korichi agrandit le modèle original, le répète et le déconstruit au sein d’une succession de toiles. Loin d’être corrigé, le flou à l’œuvre dans le modèle original est rejoué et exacerbé pour plonger le spectateur au cœur d’un jeu de surfaces et textures, au plus près de la matière.

Bibliographie :

Youcef Korichi, Les Oripeaux. (2021). Galerie Suzanne Tarasieve, Paris.

Provenance : Galerie Suzanne Tarasieve, Paris, 2022

Picasso Monkey met en scène un paysage simple, presque enfantin duquel se détache un singe aux yeux bandés, à la bouche ouverte comme criant, posté sur un escabeau en train de peindre le ciel en noir, et dont la palette laisse couler la peinture au sol.
C’est à travers un style plus naïf que l’artiste met en avant son propos. Le titre évoque le singe de Picasso, artiste controversé sur son rapport aux arts de l’Afrique, dont il se serait grandement inspiré dans son œuvre, allant jusqu’au pillage de ce patrimoine culturel, dans le contexte colonial de son époque. 

Forever Free est une série d’œuvres aux médiums divers, la première de l’artiste. Il y explore les caractéristiques et spécificités de la culture étasunienne, qu’il considère loin de sa propre réalité. Il utilise notamment le personnage caricatural de Sambo pour mettre en relation le passé colonial du pays et ses évolutions concernant ces questions. 

Provenance : Galerie Templon, Paris. Acquisition en 2022.

Provenance : Galerie Loeve&Co, Paris, 2021

Photographie © Fabrice Gousset

Sur une toile de Jouy où l’on devine des paysages et des personnages, Antoni Miralda met en scène plusieurs petits soldats en plastique. En cercle, en tas ou en duel, les figurines dessinent ensemble des mises en scène à la fois décoratives et narratives, où se donnent à lire « l’absurdité de toute forme d’autoritarisme et de violence » (Loeve&Co). L’œuvre illustre l’invasion des Soldats Soldés dans la pratique d’Antoni Miralda, au cours des années 1960, quelques années après le service militaire de l’artiste. Artefact de la culture populaire, le soldat en plastique devient un outil de décryptage sociétal. Au sein de mise en scènes absurdes, il met en lumière l’absurdité même de la guerre qu’il évoque.

Photographie (détail) – en attente des droits de diffusion.

Provenance : Galerie Loeve&Co, Paris, 2021

Painting as far as your eyes can see met en scène l’artiste et son frère au sein d’un décor oscillant entre intérieur et extérieur, inspirés de motifs péruviens. 

Les zones blanches, laissées délibérément sans peinture par l’artiste, invitent le spectateur à offrir sa propre interprétation de l’œuvre et des couleurs qu’il perçoit. 

Ses peintures s’inspirent de scènes à la fois photographiées et re-composées. Elle travaille aussi avec des modèles vivants, qui lui permet d’apporter une dimension plus réaliste à son œuvre. 

Provenance : Galerie Geukens & De Vil, Antwerp, 2022

Blue Messerschmidt marque la force de l’intellect, la puissance de la raison en faisant apparaître sur ce portrait l’architecture de la pensée. Le fond bleu symbolise la présence pleine et entière de cet homme dans la vie, renforcée par son sourire indéfectible.

Cette peinture sans titre met au centre de la composition une tête sur fond de décor rationnel. S’en dégage une étrangeté qui réside dans l’absence de regard, dans les traits indistincts et dans la forme plastique simplifiée. Cette figure anonyme semble abriter un sentiment de vacuité tout en s’extirpant de l’obscurité des tons noirs dominants. Comme enfermée dans ce damier, nous tentons de résoudre cette énigme visuelle.

Provenance: Galerie Vidal-Saint Phalle (Paris). Acquisition en 2007.

La Deposizione est une version moderne de la déposition du Christ montrant un homme nu reposant sur les “bras” d’un chariot élévateur. Cette oeuvre fait référence au scandale de l’amiante et au procès de l’ex-propriétaire du groupe suisse Eternit et d’un ancien actionnaire belge de cette même société, qui s’est tenu à Turin en 2009. Le “maxi procès Eternit“, comme il est appelé en Italie. Le plus grand procès jamais organisé sur le drame de l’amiante et le premier procès au pénal. Selon les associations de victimes, il rassemble plus de 6 000 parties civiles. Le Tribunal de Turin a demandé des peines très lourdes contre les ex-dirigeants du groupe avec la forte volonté de constituer un précèdent pour les procès de “crimes environnementaux“. L’amiante est responsable principalement de l’asbestose et du cancer du poumon, pathologies mortelles qui se déclarent entre 15 à 20 ans et 30 à 40 ans après la première exposition. Cette oeuvre représente le sacrifice physique et mental des ouvriers employés d’Eternit.

Provenance: B&D studio contemporanea (Milan). Acquisition en 2008.

Dormeuse est un récamier moderne, constitué de plaques d’acier façonnées que l’on a l’habitude de trouver dans les rues, à travers notamment les plaques d’égouts. Il symbolise dans sa forme la féminité, le repos et le luxe mais sa composition, faite d’acier, contraste vigoureusement avec ces éléments. Ce matériaux, attribut industriel et confronté aux matières les plus primaires et les plus triviales de la rue, renverse les codes habituels.

Provenance: Christie’s Londres. Acquisition en 2013.

Provenance : Monitor Gallery

Provenance : Christie’s Londres. Acquisition en 2013.

La sculpture de l’artiste gantoise Berlinde de Bruyckere rappelle la peau, la chair. Habillée de bois et de tissus, sa fragilité se traduit aussi par la protection de sa cloche de verre, permettant au regardeur d’expérimenter de près comme de loin l’œuvre, sans franchir les limites de ce territoire tout en chair. Son aspect singulier apporte son lot de sensations : dégoût, curiosité, attirance, multiples questionnements sur sa signification. L’artiste réalise un fragment réunissant en son sein à la fois les notions de souffrance et de plaisir, dualité inhérente à la condition humaine. Elle s’inspire également de la passion du christ (thème récurrent dans son travail) ce qui explique la présence du bois rappelant la crucifixion. Le tissu et le fil s’entremêlent pour protéger et réparer ce qui est encore possible de sauver. Elle s’inspire également de l’œuvre de Lucas Cranach l’Ancien et sa vision des plaisirs de la chair, ainsi que celle du cinéaste italien très controversé, Pasolini.

Avec Stairway charcoal sculpture, l’artiste joue avec la vision du spectateur en lui proposant un escalier en lévitation composé de morceaux de charbon de bois suspendus. Il semble avoir brûlé ou être en train de se décomposer. Avec cette représentation d’un intérieur domestique, Seon Ghi Bahk met en relation l’humain et la nature par l’utilisation d’un matériau naturel, le charbon de bois, qu’il considère comme une autre forme d’existence de l’arbre. L’installation devient paradoxale, sommes-nous face à des cendres ou face à une renaissance ? Dans les traditions coréennes, le charbon de bois est utilisé dans des rituels de purification, pour éloigner les mauvais esprits ou annoncer la naissance d’un enfant. Cette installation prend alors un autre sens en engageant un discours autour du cycle de la vie, entre transition, fugacité et permanence.

Provenance : Krampf Gallery. Acquisition en 2008.

L’installation Zera (unknown paths) montre un cerveau dessiné par l’artiste avec des fils de dynamite. Lors de sa performance Mircea Cantor met le feu à ces fils, puis ils s’embrasent, dévoilant la trace, le résidu d’un cerveau. Vestige de notre liberté, de notre intelligence, l’existence se brûle et laisse une trace. ‘Zera’ signifiant “semence” en hébreu, est ainsi à l’origine de toute création, ce cerveau en ébullition fait table rase du passé, mais également de la mémoire, comme pour revenir à l’inspiration sur une page blanche. Le point de départ pour toutes créations, quelles qu’elles soient. Une oeuvre hautement symbolique. Un rappel à la fragilité de notre existence, ce cerveau, considéré comme une vanité moderne se consume pour n’en rester que de la poussière.  C’est une œuvre qui fait également sens dans la collection Francès car les questions concernant le devenir de l’existence humaine et la construction de notre avenir et de ce qu’il en restera sont toutes aussi importantes que la mémoire du passé.